Исследования

Что общего у музыки и ИИ? Управляемая генеративность в мировом и казахстанском искусстве

Читать статью целиком →
Аннотация.
В представленной работе исследуется вопрос, в какой мере практики искусственного интеллекта в музыке продолжают линию формализации композиторского процесса, сложившуюся в XX веке. Цель работы – обосновать понимание искусственного интеллекта не как стороннего автора, а как техники композиции, соизмеримой с историческими способами организации музыкального материала. Методологическая рамка сочетает постструктуралистскую оптику авторства (Ролан Барт, Мишель Фуко) и дихотомию рационального и чувственного начала (Александр Соколов). Аналитическая часть охватывает пять техник композиции прошлого столетия: серийность/сериализм, алеаторику, стохастику, минимализм и политехнику. Для их сопоставления фиксируются три наблюдаемые категории: алгоритмичность (степень явной процедурной заданности), генеративность (режимы порождения) и управляемость (уровни и способы контроля параметров). Проведенный анализ опирается на конкретные произведения: для серийной техники – Вариации op. 27 Антона Веберна; для управляемой алеаторики – «Музыка перемен» Джона Кейджа; для стохастики – Achorripsis Янниса Ксенакиса; для минимализма – Piano Phase Стива Райха; для политехники – опера «Ер-Тостик» Александра Маноцкова. Выявлено, что серийная техника задает максимальный уровень управляемости через заранее фиксированные операции над рядом; управляемая алеаторика встраивает случайность в систему правил; стохастика переводит случайность в стадию сочинения и калибрует ее статистически; минимализм демонстрирует генеративность из простых процедур; политехника интегрирует разнородные техники в едином процедурном ядре. Полученные результаты позволяют заключить, что современные модели искусственного интеллекта радикализуют уже присутствующие в музыкальной практике принципы (работу с правилами, вероятностными профилями и процессуальностью) и тем самым задают продуктивное поле для дальнейшей рефлексии и внедрения в академическую композиционную практику Казахстана.

Пепел, домбра и слово:
роман как хроника исчезающей традиции

Читать статью целиком →
Аннотация.
В статье анализируется роман Таласбека Асемкулова как музыкальный архив, этнографический текст и как форма эстетической памяти. Новизна работы состоит в разработке междисциплинарной модели вербально-музыкальной герменевтики: сопоставляются описательные эпизоды романа, терминология и образные метафоры с ладо-ритмическими формулами, штриховой техникой и ладо-ритмическими моделями традиционной музыки Казахстана. Материал организован на трех уровнях: (1) текстологическое выделение музыкально значимых маркеров в прозе; (2) их картирование на интонационные и метроритмические паттерны домбрового письма; (3) проверка гипотез через сравнительный анализ вариантов и школ (включая ареально-стилевые различия). В работе последовательно формализован протокол чтения «роман-как-архив» с операциональными единицами (сюжетный маркер – интонационный жест – исполнительское решение), предложена типология текстовых индикаторов техники и ладо-ритмики, впервые введён сопоставительный комментарий к исчезающим практикам, фиксируемым в прозе, а также показаны прикладные выходы в область реконструкции и обучения. На конкретных примерах продемонстрировано, что «слово» фиксирует контуры формы, характер звукоизвлечения и тембровой драматургии, а также помогает уточнять жанрово-стилевые атрибуции. Анализ выявляет ряд новых данных, которые вводятся в корпус современных знаний о традиционной казахской музыке. Среди выводов закономерно открывается новая перспектива для гуманитарного знания – формирование исторически информированного исполнительства (HIP), возможность реконструкции утраченных элементов музыкальной памяти без нарушения аутентичности.

Myth 2.0: Multimedia Projects of Central Asia

Читать статью целиком →
If you think of myth as something long left behind—lost in the shadows of antiquity, hovering at the threshold of literacy, wrapped in archetypal mist—it might be time to take a closer look at multimedia projects from Central Asia. In many ways, myth is still alive here. It has simply changed shape—shedding its skin, adopting a new interface, a new medium. Or so it strongly appears. Instead of firelight, we now have projection screens; instead of the shaman’s drum, we hear tactile acoustics and subwoofers embedded in the floor. The caves of old have become the black boxes of galleries or the blank void of a stage. Paradoxically, the more technologically advanced the artistic language becomes, the more magic it seems to contain. Once again, we find ourselves searching for archetypes—only now they come to us in the form of glitch graphics, choral breathing, generative patterns, and bass vibrations that travel straight through the ribcage. In this sense, multimedia projects become a kind of modern-day mystery rite. For thirty or ninety minutes, the audience is no longer an audience, but a participant in a ritual that requires neither belief nor understanding—only presence. These rituals are gaining traction across Central Asia, and it may well be this subtle, unspoken function that explains the growing appeal and cultural value of multimedia art in the region.

A Kazakh “Gold Rush”: How Modern Nomads Sound

Читать статью целиком →
Today’s music scene in Kazakhstan brings to mind the Gold Rush of nineteenth-century America: next to already mining the precious metals of Dimash and Imanbek, there are hundreds of daring musicians digging into a variety of genres like rock, pop, jazz, fusion, techno, indie, and ethno.
The first sprouts of the present musical context emerged thousands of years ago; nomads, for whom oral culture was part of their nature, equated words and music to precious “pieces of fiery lava” (Talasbek Asemkulov). Those musicians who were considered to be saintlike characters, or “the key social factors,” are renowned to this day, among them Korkyt Ata, who was held to be “neither living, nor dead” (ninth and tenth century or earlier), Ketbuga (twelfth century), Asan Kaigy (fourteenth century), Kurmangazy Sagyrbaev (nineteenth century), and Sugur (twentieth century). Striking as it is, many of the elements and principles of this ancient music are at work even today.

Exploring Inclusive Evolution in Music Academia: Experimental Practices in Contemporary Music

Читать статью целиком →
Abstract.
For individuals with disabilities, music lessons often serve as effective art therapy, a prevalent approach in Kazakhstan and globally. However, what if a student aspires to pursue music professionally? Are contemporary methods equipped to provide comprehensive music education to everyone, regardless of their physical or cognitive limitations? This paper examines inclusion issues in modern professional music education and practice. It suggests that contemporary music offers a pathway for the full participation and development of musicians with various disabilities, including conditions affecting strength, energy, or alertness, such as ADHD and multiple disabilities. Inclusive music teaching methodologies extend beyond technical accommodations in classrooms; they also involve the psycho-emotional literacy of educators and the use of adapted systems like Figurenotes, improvisation techniques, and specialized devices. This study analyzes available technologies, including music applications, that enhance contemporary music education and practice. The collaboration between contemporary music and inclusive practices holds potential for fostering new musical thinking, advancing professional music education, and benefiting society. The authors translate academic discourse into practical application, showcasing results from a collaboration between disabled musicians and a contemporary music ensemble at the Edinburgh Festival 2023. Through this practical experience, the paper aims to develop experimental musical practices and inclusive perspectives in education, science, and performance, highlighting the transformative power of inclusive evolution in contemporary music.

Традиционный концепт и современные композиторские техники в квартете Артыка Токсанбая

Читать статью целиком →
Аннотация.
Как трансформируются новые композиторские техники в казахстанской музыке XXI века, проходя через призму индивидуального авторского стиля? Предметом исследования настоящей статьи являются вопросы эволюции музыкального языка, методов композиторского письма. Одно из важных качеств современной музыки – обращение к традиционному концепту. Такие компоненты, как цитаты народно-профессионального кюя, подражание народному инструментарию, сочетаются с джазовыми элементами, полиметрией, современными композиционными техниками и приемами. В произведении Артыка Токсанбая «My respect to you Mr.Tattimbet» наглядно проявляются особенности развития камерно-инструментального жанра на современном этапе. В статье анализируется произведение Артыка Токсанбая с точки зрения взаимодействия двух полюсов: с одной стороны, важной составляющей сочинения является кюй, с другой – минимализм как композиторская техника. Минимализм в сочинении проявляется в применении паттернов развития музыкального материала. На основе анализа сочинения, прозвучавшего на одном из концертов современной музыки, актуализируется идея о том, что фигуры, жанры и концепты традиционной музыки продолжают быть источниками вдохновения для современных авторов, в процессе творческой работы над ними композиторы используют новые методы и приемы, обусловленные как новым художественным запросом, так и индивидуальными особенностями творческого почерка. Особенности произведений композитора иллюстрируют различные процессы развития новых музыкальных техник. Изучение новейших камерно-инструментальных сочинений является важнейшим этапом осмысления и более глубокого изучения характерных особенностей стилевых тенденций современной музыкальной культуры, для углубленного и осмысленного понимания процессов развития современного музыкального искусства.

Особенности media-art-проектов в практике казахстанской музыкальной сцены

Читать статью целиком →
Аннотация.
Электронная музыка, развивающаяся во всем мире уже более ста лет, в Казахстане формировалась преимущественно в рамках массовых жанров. Первые диджеи появились в клубах в последние десятилетия ХХ века, затем самые прогрессивные из них стали экспериментировать с различными музыкальными коллективами, в 2010-х открылись techno-клубы, стали организовываться специализированные фестивали и медиапроекты.
В академической музыке опыт взаимодействия с электронной музыкой и электронными музыкальными инструментами имеет единичные проявления. В статье на примере практического авторского опыта рассматриваются особенности таких медиапроектов, а также технологии управления ими.
В начале работы формулируется основной круг проблем, включающий вопросы художественной ценности и специфики media-art-проектов, выдвигается гипотеза о кураторе как центральной фигуре, наделяемой дополнительными функциями в случае взаимодействия с музыкой. Представляется суть междисциплинарного подхода, адаптирующая в данном случае методы таких отраслей знания, как искусствознание, менеджмент, музыковедение, культурология и др. Последовательность выполнения исследования опирается на методологию ведущих теоретиков истории и искусства, в числе которых Mario Kosta, Fred Forest, Oliver Grau. В статье приводится анализ конкретных media-art-проектов – Ethnotronica (2022), Музыка Осуществления 41 – МО 41, инклюзивный проект с Drake Music Scotland (Шотландия, 2021–2023). Все три проекта осуществлялись без государственного финансирования, являлись результатом работы независимых организаций, предполагали коллаборации с электронными музыкантами и современными технологиями, были реализованы под управлением нового типа менеджера – куратора, относятся к типу media-art-проектов, к экспериментальной сфере современной музыкальной культуры Казахстана. В качестве выводов работы предлагаются семь основных тезисов, обобщающих результаты исследования и обозначающих дальнейшие перспективы.

Перспективы Grassroots проектов в музыкальном секторе креативных индустрий Казахстана

Читать статью целиком →
Аннотация.
Признанная значимость креативных индустрий в настоящее время приводит к появлению ряда менеджерских, исследовательских, творческих решений как на государственном уровне, так и в реальной практике. Во Введении обозначается спорность современного понятийного аппарата отрасли, а также рассматривается такое базовое и обязательное для существования креативного сектора явление, как Grassroots движение и независимые проекты в сфере музыки. Методы исследования основаны на эмпирических изысканиях, ключевыми являются инструменты case study. Впервые предложено введение понятия Grassroots, рассматривается история этого явления применительно к музыке Центральной Азии. Результаты и обсуждение содержат авторский анализ перспектив Grassroots в музыкальном секторе креативных индустрий Казахстана. Концепция Grassroots движения или проекта представлена как культурный феномен, успешно существующий в развитых странах (Америка, Европа, Великобритания), отличительными характеристиками которого являются: инициирование музыкантами/сообществами и функционирование без поддержки государства или крупных организаций.В качестве ключевых рассмотрены пять жанровых сфер музыкального сектора: традиционнаямузыка (traditional/ethno/world music), рок- и джаз-проекты (rock & jazz music), формирующаясятехно-школа (techno music), инди-музыка (indie music), классика (contemporary&classic music).Исследование опыта развития независимых музыкальных проектов позволяет обозначитьэффективность и перспективность данного направления, их преимущества (свобода творческого волеизъявления, эксперименты, созвучность самым прогрессивным международным проектам). Основные результаты и выводы сформулированы в Заключении в девяти позициях, определяющих влиятельность, качество и перспективность независимых музыкальных проектов для развития креативных индустрий Казахстана. Доказано, что признаки зарождения Grassroots движений в рамках четырех базовых жанровых сфер содержат конструктивный потенциал диссеминации продукции музыкального сектора креативных индустрий страны в условиях глобализирующегося мира.

Камерная опера
"Ер-Тостик"
А. Маноцкова: к вопросу о взаимодействии культур

Читать статью целиком →
Аннотация.
В работе ставится задача рассмотреть пути взаимодействия текстов культур на примере казахской камерной оперы "Ер-Тостик" российского композитора-современника Александра Маноцкова, поставленной на сцене театра "ARTиШОК". Уникальность произведения заключается в том, что кочевое мировоззрение, осмысленное в рамках казахской народной сказки, трактуется через «язык» новых композиционных техник, характерных для авторов модернистской и постмодернистской эпохи. Учитывая политекстовую специфику произведения, где задействованы текст этнической архаики, элементы традиционного музыкального мышления, современные методы композиции, наиболее подходящую методологию в его анализе, осмыслении, оценке мы находим в теории семиотики. В этом смысле "Ер-Тостик" проявляет себя как текст со всеми качествами, присущими тексту культуры. Анализ показал, что произведение Маноцкова закрепляет сложившуюся мировую тенденцию современного театра, когда на первый план выдвигается творческий поиск композитора, его индивидуальность и концепция, позволяющая свободно оперировать внутри заданного жанра. При этом для казахстанского музыкального театра это явление уникальное, где впервые произведение архаичного пласта трактуется приемами постмодернистской эпохи, образуя органичный синтез древней и новейшей культур.